Tom Ford artista poliedrico e versatile

♥ Tempo di lettura: 2 min. ♥

Regista, sceneggiatore, produttore. Stilista e costumista. Questo è Tom Ford, artista poliedrico e versatile, che ha firmato con il suo gusto estetico la regia di due pellicole molto apprezzate dalla critica.

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A single man e Animali notturni, ed è proprio su quest’ultimo che focalizziamo la nostra attenzione.

Il è uscito nelle sale nel 2016 e vede la partecipazione di un cast stellare, composto da Amy Adams e Isla Fisher, Jake Gyllenhaal, Aaron Taylor-Johnson e Michael Shannon.

Una storia che parla di sofferenza, vendetta e fantasmi del passato. Ecco l’analisi dei principali contenuti di Animali notturni secondo i critici cinematografici di Film Post.

L’importanza dello sguardo

Tom Ford si concentra moltissimo sul concetto dello sguardo e per questo la maggior parte delle sue inquadrature sono dei primissimi piani.

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La prima immagine della protagonista Susan, a inizio pellicola, è un close-up sui suoi occhi, sfuggenti e profondi, che accennano già al carattere della protagonista. L’ultima immagine che chiude il film è ancora una volta un’inquadratura ravvicinata sul suo viso, affranta e sconfitta da una cocente delusione.

In quell’istante, attraverso i suoi occhi, lo spettatore capisce come si sente.

La Morrow, così come tutti gli altri protagonisti, è inquadrata molto spesso di profilo o di spalle, ad indicare l’impossibilità degli spettatori di carpire appieno la totalità del personaggio.

L’obiettivo della macchina da presa si sovrappone così agli occhi di chi osserva la scena. Inoltre gli attori si posizionano spesso decentrati nell’inquadratura, se non addirittura ai margini.

Per le regole del cinema classico l’attore dovrebbe sempre trovarsi al centro, ma in questo caso la scelta del regista potrebbe voler sottolineare quel senso di straniamento che lo spettatore prova sin da subito osservando i protagonisti che svolgono le loro azioni.

In alcune scene poi la cinepresa sembra amatoriale (o una macchina da presa a mano): ondeggia ed è leggermente sfocata.

La sensazione è quella di essere accanto al personaggio e di guardarlo da un punto di vista in un certo senso più intimo.

Inoltre l’inclinazione della macchina restituisce un’impressione di instabilità ed inquietudine.

Il film si basa su un continuo alternarsi di punti di vista oggettivi e soggettivi e l’attenzione rivolta al senso della vista è fondamentale.

Ford spesso ha scelto la soluzione di non far dialogare con la voce, ma proprio con lo sguardo.

L’incipit straniante della pellicola

I primi minuti della pellicola delineano già l’atmosfera dell’intera storia, inquietante, alienante e brutalmente reale.

Donne affette da obesità e senza veli che si alternano nelle inquadrature e danzano in slow motion sulle note della colonna sonora portante del film, malinconica ed incisiva.

Queste donne mostrano con fierezza gli unici accessori che indossano, che sembrano derivare dalle uniformi dei membri dell’orchestra o del circo.

Sullo sfondo un tendone di velluto rosso da teatro e nell’aria coriandoli scintillanti che continuano a vorticare; le modelle rivolgono lo sguardo in camera e sono totalmente assorte nei loro movimenti, creando una situazione quasi onirica e surreale.

Capiamo che ciò che abbiamo visto fino ad ora fa parte di una mostra d’arte, organizzata da Susan.

La Morrow è una donna impostata, controllata e misurata, elegante e apparentemente perfetta, ma in realtà si sente oppressa e in trappola, a causa della vita che ha scelto un tempo ma che ora non la soddisfa più.

I soggetti da lei scelti per la mostra sembrano atipici rispetto alla sua personalità. In realtà si potrebbe pensare che le donne grasse che mostrino il loro corpo con fierezza e senza vergogna, espressione della libertà che Susan ha sempre voluto per sé ma che non ha il coraggio di vivere in prima persona.

Caratterizzazione dei personaggi

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Ogni personaggio rappresenta delle emozioni ben specifiche, come se fosse un “personaggio tipo”, anche se poi nel corso della storia capiamo come invece tutti siano complessi “personaggi individuo”.

Edward è il simbolo della forza della volontà e del potere del rancore mentre Susan della rassegnazione e degli incubi dal passato.

Tony rappresenta l’inadempienza ai propri doveri morali e il rimorso e Bobby la vendetta, il limite della giustizia e la civilizzazione.

Infine Ray, l’antagonista principale, è l’incarnazione del terrore nei confronti dell’invasore dello spazio personale.

Come è restituita la questione della ‘doppia’ storia: gestione degli intrecci narrativi

Tom Ford mantiene i tre filoni narrativi presenti anche nel romanzo Tony & Susan, alternando quindi passato, presente e finzione.

Per quanto riguarda il passato, il pubblico ha modo di addentrarsi in alcuni episodi del periodo giovanile di Susan ed Edward e di conoscerli come coppia; nel presente invece si sviluppano gli avvenimenti attuali, che vedono la donna sposata con un ricco uomo d’affari, anni dopo, e Sheffield, anch’egli sposato e finalmente scrittore di successo, che le invia il romanzo per farglielo leggere.

Infine la dimensione fittizia della trama è data dalle vicende di Tony e della sua famiglia, che rubano la scena al presente in modo consistente.

Nel romanzo di Wright il lettore poteva trovare delle diciture che gli facessero comprendere in quale delle tre sfere temporali fosse o se quelle che stesse leggendo fossero solo riflessioni mentali della protagonista, che quindi di fatto non mandavano avanti la trama.

In un film tuttavia non è semplice restituire la stessa chiarezza di intrecci narrativi senza confondere lo spettatore e senza l’aiuto di cartelli o frasi esplicative che scorrano sullo schermo per identificare in modo ricorrente le varie sezioni; il regista è riuscito magistralmente a delineare i tre periodi tramite alcuni espedienti, visivi e sonori.

Un film che diventa “estetico”

Il regista della pellicola, Tom Ford, è noto alla collettività principalmente per il suo lavoro di stilista e ad oggi il marchio che porta il suo nome è tra i più rinomati e di successo.

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Il vantaggio che un uomo della moda può offrire al cinema risiede in una particolare attenzione alla figura dell’attore, alla sua estetica e ai suoi movimenti nello spazio, che si ripercuotono poi sulla scenografia.

Una menzione particolare va fatta per le pose plastiche degli attori, i quali ricordano a tratti dei modelli intenti ad affrontare uno shooting fotografico, data la cura e la formalità che contraddistinguono i loro movimenti.

Il colore rosso poi è molto presente all’interno di tutta la pellicola e si fa testimone dei momenti chiave della trama; marca i passaggi più rilevanti da un punto di vista drammaturgico, in modo che il tema centrale della storia sia riconoscibile anche e soprattutto grazie all’elemento cromatico.

L’obiettivo è far percepire una data emozione mediante la visione di uno specifico colore, addirittura far coincidere colore e sensazione.

Il colore è così studiato da Tom Ford poiché riesce a trasmettere una serie di emozioni allo spettatore tramite il suo subconscio e quindi è più utile di quanto sembri, generando così in chi guarda sentimenti di paura, frenesia, tranquillità, armonia anche senza mostrare di fatto nulla di particolare in quanto ad azioni dei protagonisti.

Non rimane più solamente una caratteristica fisica dell’oggetto mostrato, ma è in grado di significare anche altro da sé e rimandare quindi a sensazioni, simboli.

Beatrice Castioni

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